現在，你可以起身走動了──專訪陳煜典 ╳ 范承宗《脫殼》，走近一隻龍蝦的痛覺與永生

人的腦袋所明白的事理，也許是我們終其一生都無法應證的，例如宇宙，或者龍蝦。

理論上來說，龍蝦的細胞允許其無限分裂，中斷衰老，達到永生的狀態；理論上來說，成長中的龍蝦，歷經一次次的脫殼後，會變得更加的強壯且巨大。然而這兩種理論，人類基本上無法目睹，因為在發生以前，龍蝦就被人類吃掉了──聽起來像是一則無聊的冷笑話，有幾分后羿射日的意味，彷彿龍蝦有機會成為海上的酷斯拉，避免它統治世界，我們必須先吃為妙。

不過，假設我們無法涉入自然，只能作為純粹的見證者，那麼身而為人的意志，會如何被動搖呢？

《脫殼》也許是個解答。

這齣由劇場導演陳煜典以及藝術家范承宗聯手打造的特殊作品，進場前，容我們貼心叮嚀：你將目睹的，是你經驗之外的；你所感受的，亦將是牠／祂們日常所經驗著的。

劇場導演與藝術家的命中注定

以傳統工藝手法見長的范承宗，創作主題經常結合土地文化，或以自然生態為靈感發想，《脫殼》是范承宗首次與劇場的跨界合作，卻不是他第一個以「海洋意識」為核心的作品。

2020 年於嘉義縣布袋之裝置藝術〈龍宮〉，即是此思想的展現，如海底幻獸坐落於海濱公園，無論早晨或者傍晚都予以不同奇幻氛圍。是以，本次導演陳煜典找上門的合作，對范承宗來說是種「命中注定」的相遇。

說回陳煜典，那倒也是台灣劇場獨樹一格的存在，乃因他導演風格的高度自由性，過去實踐的作品如南管戲《行過洛津》，使原先幕後文武場站上舞台 C 位，大膽嘗試獲得高度討論；其後又在疫情期間創作「線上聲音劇場」，打造另類的兒童劇作品，使孩子在熟悉的自家空間中探索故事。還沒完哩，他與魔術師周瑞祥呈現的「新人類計劃」，再一次展現其充沛的導演才能，思索魔術與台下的觀演關係。至於這次與范承宗的合作，是他給自己出的最新難題──無劇本，無台詞，無明確的結尾座標，於有限空間中討論無限的自然循環。

事實上，《脫殼》的誕生契機正是來自於陳煜典的好奇：「龍蝦在運送的過程擠在狹小的空間中，其實是非常難受的，可是外表完全無法讓『人』感受這層痛感。因為無法證明龍蝦對於疼痛的感知，是否和人類感受到的是一致的。」

人類無法同理的痛，便成為劇場試圖抵達的目標。至於如何重現？陳煜典相信，超越人體身心所感之經驗，呈現上必當抽去舊有形式，例如語言，例如線性故事，例如深植我們記憶中的各種符號。而為了拆解刻板印象，又得讓觀眾立即有所感，這才找上了他長期欣賞的藝術家范承宗。

兩人聯手為《脫殼》打造全新裝置藝術的同時，也正在創造一種複合的劇場觀演形式。

《脫殼》如一場大型展覽，觀眾同時見證展品搭建之過程；也不可否認，這的確是一場表演，場上演出者一面搭建竹結構，也搭建起一連串事件的伏筆；同時，這還是個邀請觀眾參與其中的創作，當表演者離去以後，觀眾將能自由於場內台下走動，無論留下或者離去也都是自由的。若你選擇留下，便意味著，你選擇成為台上事件發生的見證者。

被好奇勾引的心，被空間限制之身

《脫殼》分為上下半場的呈現。第一個 60 分鐘，觀眾被定錨在座位上，是運輸過程中不可脫逃的龍蝦，是重度好奇之人，渴望觸碰場上散落的竹子、同時以成熟人的思維提醒自己「那是裝置，不可觸碰」。

總而言之──坐在觀眾席的我們，在這 60 分鐘，只剩下眼睛與耳朵，無法介入舞台；只能感受，無法移動；只能順應著好奇心，被即將發生的、尚未發生的事物逐步勾引著。

范承宗說其實在他搭建作品的現場，很常遇到這樣的情況，「特別是在戶外工作的時候，常常會吸引大家的圍觀，揣測我們在做什麼、會怎麼進行下一步。」他說，本次《脫殼》便是將裝置藝術的搭建過程搬到舞台上，讓觀眾正大光明地欣賞，邀請大家自由地揣測。

「這種感覺可能很像你轉電視，轉到 Discovery 的某個片段，畫面正在播放一段你完全無法理解的事物，無論你看到了什麼蛛絲馬跡，總之自己的目光全然被眼前的事物所吸引了。」

對范承宗來說，他期待觀眾能夠不斷的想像，並且因場上的變化而改變原有的想像路徑，「你腦中的樹狀圖會一直改變，可能因為加上的某個結構，剛剛的揣測就不算數了，且一直處於好奇之中。」

為了達成這個目的，徒有場上的安排恐怕力道不足。因此《脫殼》的氛圍營造，亦將從台上走到台下，充滿整個球型劇場。

造物主的模仿

在創作之初，導演陳煜典就希望觀眾不只是置身於劇場，而是坐落在一生態系之中，且近距離感受周遭的變化。

對此要求，因應北藝中心獨特的球型劇場，負責燈光及空間設計的陳冠霖以減法的思維，啟動他的設計概念：「如何讓『劇場』的空間回到『環境』的感受？考量到空間即預算限制，我不以疊加的方式完成，而是刪去。例如拿掉劇場習慣使用的翼幕，讓場上的空殼裸露出來，包含主舞台後方的大型空間，它凹進去的樣子像是一個洞穴，如是一來，一個生態系的循環會慢慢在想像中誕生。」

拿掉可觸摸的，創造可感受的，陳冠霖接著運用燈光的強弱、色澤，營造出陽光與流水，既然無法將海洋端到舞台上，那他們就想辦法帶觀眾如臨大海。

陳煜典分享他今年三月芬蘭駐村的經驗，「在一座露天臨湖的桑拿館，上一秒鐘天空晦暗陰森，下一秒粉橘紫紅，前一刻下著暴雪，忽然之間又出日頭。有人說劇場是多變的，但真正多變的是自然才對，沒有一刻能夠為人所掌控，卻隱隱存在一種規律。」陳煜典說，當時他就那樣站在旁邊看著身邊的人群自在地行經走動，看著人如何成為自然的一部份。

這便是他在《脫殼》渴望體現的經驗，讓空間說話，讓各種變動都有機會在此地發生，即便抽去語言，一切依舊如流水不止。

當環境的奇異體感成立了，第一個 60 分鐘走向尾聲，台上巨型裝置藝術完成，視角的轉折也於焉展開。

一同窺探語言所無法承攬的

《脫殼》的第二個 60 分鐘，人類的自由意志啟動，選擇權回到觀眾手中：現在的你可以於舞台下自由走動了，那麼，你會選擇離開，或者留在此地呢？做決定的時候我們不能忘記：即便有人離開，故事也不會因而終止。

以范承宗的解釋，他說那就像是：「你把電視轉台了，故事依然沒有結束，只是你的注意力結束了。若把《脫殼》當作是一座生態系中的某一片刻，那就像是在海裡、山裡、城市中，同時都有各式各樣的生命與我平行存在著，而在這兩小時之內，我們有了交集，有機會窺探我不理解的事物所帶來的美。」

至於這樣的美，原來是不需要語言即能體會的。

過去嘗試過多種不同導演形式，陳煜典為自己的創作信念找到一個共識，他相信有許多東西是溢出舞台之上、藏在對話之後，「我們有很多感知都還沒有被約化成一個字，但那些不可言說的『神祕力量』，一再驅使我們感受到很多心情。」這一次的《脫殼》，幾可說是他將這份信念開到最大化的展現，是以刻意避開語言，讓「未知」浮上檯面。

在第一個 60 分鐘之尾聲，場上將誕生一件巨型的東西。接下來它會崩解，如躲在無人可及的龍蝦那樣，開始脫殼，卻又不是真正動物擬態式的表演。

至於觀眾，在經過前期心境的繞路過後，有機會從「自我意識」中游離出來，成為環境中的一株水草、一片水浪，或者仍是一隻安靜凝視一切的獸。到了這時候，我們所看出去的世界，也將不是原本所認知的世界了。那也許是一點點的死亡，也許是重複的誕生，也許是痛，又或者那不再具有任何意義。

真正「脫殼」者，看似發生在舞台，同時卻鑽入觀眾自身，迫使我們將穿戴上新的身體去感受這一切。

被未知哺育

《脫殼》對整個製作團隊來說，也是脫離經驗的創作。

以陳冠霖來說，他需要化繁為簡，盡可能保持空間的純粹性，「在劇場，維持簡單也是需要功夫的，光是燈光，我們就需要精準到以秒數來計算光的流動。若舞台看起來很空，那就先以場館現有的設施來去輔佐。」

一再地減去，一再地卸下，如同一場大型實驗，當身而為人的意志降到最低，我們不為人的質感而活，只為生存而生存，那生態會產生何種變化？

陳煜典對表演者的要求，也是朝這個方向邁進的。他回憶起最初徵選的過程，是讓他們搬運竹子，原因是：「想看表演者『專心』地做這件事，讓搬運成為最主要的目的，而非他的身體技巧。我想知道演員能否在搬運的過程之中，不讓自己成為主角，使人的概念淡化，退到背景的層面。」

同樣退回未知狀態的，還有范承宗創造的竹結構裝置，他說：「過去裝置藝術的主要目標，大抵就是做得準確與堅固，成品也不允許被改變。但這次完全不是這麼回事，我們一路上都在擁抱未知的過程，透過煜典排練時的發想、表演者的身體互動，作品都不斷地在變化，包括竹子如何保持平衡卻能夠晃動、如何設計動作機關⋯⋯，直到現在，我們的作品都還在被未知餵養著，不走到正式演出時，都沒人能完全確定，我非常期待。」

《脫殼》的團隊一同孵化的「未知」，以創作面向聽起來很嚇人、很冒險，但以自然創生的角度來說，卻是一種回歸。他們回歸不可掌控的生態流動，思考人心如何安於變動之中。

因此屆時在台上發生的一切，將是無法再現的一次相遇——每場次都會有不同的變化，每道結局都應現場觀眾的目光、表演者的調度而有所改變，如同世上不會有完全相同的一次「脫殼」，次次都是活在生死的邊際，激烈而強悍，同時把脆弱袒露。目睹之人，會在那一刻忘記所謂理論上的永生，僅能抓住當下，拆解時間，活進分分秒秒，並在一切結束後清醒地意識到：

那的確存在我日常之外，卻被我的身體清晰地經驗過一輪了。

 

2023 臺北藝術節《脫殼》
演出日期｜2023.8.24（Thur.） - 2023.8.27（Sun.）
演出地點｜臺北表演藝術中心 球劇場（臺北市士林區劍潭路 1 號）
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